Jean Denant
La Traversée
28.09.2017 - 18.11.2017

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La galería RocioSantaCruz presenta del 28 de septiembre al 18 de noviembre la primera exposición de Jean Denant en España.

La obra de Jean Denant (Sète, Francia, 1979) indaga sobre de la relación del ser humano con el espacio y los elementos que lo componen: contexto y pretexto para pensar y analizar ciertos aspectos que conforman nuestra realidad. Sirviéndose de las posibilidades que le brinda la arquitectura, el paisaje y el territorio como herramientas de análisis para entender nuestro entorno, su obra aborda conceptos espaciales que van más allá de categorías físicas o lógicas de la ubicación y del emplazamiento, poniendo el foco en su vertiente emocional y definiendo estos como entidades subjetivas, simbólicas y cambiantes.

El trabajo que el artista despliega ahora en la galería es un conjunto de obras de diferentes formatos: piezas que están a medio camino entre la escultura, la instalación, la fotografía… Todo ello como un sistema fragmentado (cartografías, maquetas, objetos, etc) que busca la interacción del espectador, invitándolo a construir sus propias ficciones y experiencias espaciales.

La importancia que Denant otorga a la experimentación del espacio responde también a cómo entiende el proceso de materialización de sus obras. Una especie de viaje, de traversée (travesía), en el que el proceso se revela fundamental como metodología y formalización de su quehacer, un medio activo para trabajar y construir nuevas formas de entender el espacio y las prácticas que su vivencia puedan generar.

Es esta preocupación por lo procesual, por lo espacial, por la dilatación del tiempo del arte, lo que evidencia la importancia que para Denant tiene la relación espaciotemporal que el espectador establezca con su obra: una relación que se interroga sobre lo social, lo histórico, lo ideológico y lo natural.

La producción de Jean Denant, de cualidades plásticas y expresivas de gran efectividad, desborda el campo específico de lo que se considera espacio tradicional, abriéndose a nuevas lecturas y experiencias diversas, subrayando su naturaleza procesual y, en definitiva, situándose en esas hendiduras e intervalos que media entre los cuerpos, los tiempos y los lugares.

Jean Denant es un artista de importante proyección internacional que vive y trabaja en Sète (Francia). Recientemente ha sido seleccionado para FIAC 2017. Se graduó Artes Aplicadas y Bellas Artes en Tolouse y Cracovia con un reconocimiento especial del jurado en 2004. Está representado por la galería Anne de Villepoix de París y por la galería RocioSantaCruz en Barcelona. Su obra, entre la pintura, la arquitectura el diseño o la escultura, se ha podido ver tanto en Francia como en el extranjero, destacando exposiciones colectivas en el “Musée de l’Homme” de París, el “Printemps de Septembre” de Toulouse o en exposiciones individuales como en la galería Anne Villepoix para Art Brussels o en ciudades como Berlín, Barcelona y Ginebra. También ha participado en proyectos junto a jóvenes artistas de escala internacional en países como Rusia, China o Seúl. Su obra se encuentra en numerosas colecciones públicas y privadas, como en la Fundación Carmignac, en la colección IKONE en Ginebra o en el museo de Paul Valery. En 2014 realizó la pieza La Traversée, un encargo público para ciudad de Sète.

Jiaxi Yang
The horizontal mode of a waking life
05.09.2017 - 22.09.2017

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    Jiaxi Yang, The horizontal mode of a waking life, 2017

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Toda la obra de Yang (China, 1989) se interioriza de una forma
visualmente paradójica: asistimos a unas imágenes que han
sido concebidas y tratadas (y nos son expuestas) con toda la
exquisitez, el esmero y el glamour que requiere una atractiva
composición publicitaria pero, sin embargo, son imágenes
protagonizadas por objetos banales, sin valor y/o de deshecho
(incluido comida), objetos simples de uso común en la vida
cotidiana a los que en principio no les correspondería tal
distinción elevadora. Pero no sólo es destacable el hecho de su
banalidad, sino también, y mucho, el de su incongruente puesta
en escena formal y argumental (con esas insólitas coreografías,
tan elegantes como incoherentes y absurdas si atendemos a la
lógica estética convencional).
Así, se subvierte la percepción habitual que solemos tener de
dichos objetos y nos terminan ofreciendo una inédita visión de
sí mismos. Lo anodino, lo corriente, lo banal adquiere un nuevo
significado y una inesperada trascendencia (la obra de Yang
está muy entroncada con los conceptos de ready made y de
objet trouvé del dadaísmo y surrealismo de principios del xx).
En cualquier caso, todos estos bodegones se mueven en
una interesante, sutil y poética frontera entre lo grotesco y lo
elevado, entre lo mundano y lo sublime, lo real y lo ambiguo.
Jesús Micó

Fernando Maselli
Infinito artificial
05.09.2017 - 22.09.2017

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    Fernando Maselli, Dolomiti #1, 2014

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Fernando Maselli (Buenos Aires, 1978)

Infinito artificial

Toda su obra reflexiona artística y filosóficamente sobre el concepto de lo sublime (ligado a la naturaleza y la divinidad). Su intención es la de poner al público frente a un espectáculo sobrecogedor que le haga cuestionarse sobre la conciencia del universo, las creencias y nuestro propio origen.

Su aproximación artística al tema es más de corte moderno que no posmoderno. Maselli concibe, interpreta y representa la naturaleza con códigos de admiración y elevación (de mitificación) y no de cuestionamiento crítico. Justo como la visión trascendental y heroica del tema que tuvieron algunos autores norteamericanos de la fotografía moderna (Adams, Weston). Sólo en el último cuarto del siglo xx empezaría a plantearse la idea de que es la Tierra la que está amenazada peligrosamente por nuestra impresentable actitud como especie animal en el planeta. Pero el trabajo de Maselli no pretende realizar una crítica sociopolítica ni ecologista. Sólo busca la sublimación en la majestuosidad de la naturaleza y en lo que Burke denominó infinito artificial (un elemento que se repita muchas veces en una configuración constante y sin interrupciones genera en el espectador una sensación de infinito). Nuestro artista pasa varios días haciendo vivac en alta montaña y retratando el mismo macizo desde varios ángulos y localizaciones para luego, en su estudio, recomponer esas piezas en un monumental paisaje nuevo recreado con el efecto infinito artificial de Burke

Jesús Micó

Lunes 18 de septiembre a las 19.30h presentación del libro Infinito Artificial en la galería RocioSantaCruz. Presentación a cargo de Jesús Micó

Marina Núñez
Post, trans
24.05.2017 - 29.06.2017

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  • RocioSantaCruz, Post, trans

    Sin título (monstruas), 2011
    Imagen digital sobre papel montada
    en aluminio
    105 x 127 cm
    Ed. 1/1

  • RocioSantaCruz, Post, trans
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Post se refiere a después de, Trans nos remite al otro lado de Post-humanismo y Trans-humanismo son términos muy utilizados en la actualidad, parecen opuestos pero a menudo vienen a significar lo mismo: una superación de la condición humana como se entendió hasta ahora. Una exposición que oscila entre lo genérico de ambos prefijos, pensando en el cuerpo humano y en su identidad, evocando un futuro ‘post’, pero también aludiendo a una ruptura de límites ‘trans’, como en la serie de dos vídeos Ofelia (2015) o en las dos piezas Sin título (Ciencia Ficción) (2007) pintadas sobre piel sintética, que aluden a pieles con rostro humano pero sin órganos en su interior.

La obra de Marina Núñez ha mantenido una constante conceptual, su interés por lo monstruoso y por evocar personajes no canónicos, pero que en cambio, se ha visto acompañada por una gran diversidad de recursos artísticos, que le han llevado desde la pintura al óleo de sus inicios a adentrarse en la última tecnología digital. Esta evolución le ha permitido descubrir unos recursos técnicos mucho más adecuados para expresar la que ha sido una de sus máximas: si “el cuerpo muta, la identidad muta”, si “el cuerpo cambia, la subjetividad cambia”, también. De ahí que el sustrato que figura en su trabajo, se haya ido configurando a partir de su fascinación por la literatura de terror y de ciencia-ficción, con Edgar Allan Poe como referencia ineludible, y focalizando dicho interés en la figura del cyborg, un ser ni totalmente humano ni totalmente máquina. A la artista le interesa por ser “un híbrido, impuro, que no tiene una esencia inmutable” y dicho interés coincide a su vez con las teorías de una autora cyberfeminista, como es Donna Haraway, cuyo Manifiesto Cyborg (1985), ha sido una importante referencia en su trabajo. El proyecto artístico de Marina Núñez muestra una gran capacidad de resonancia hacia la literatura, el ensayo, el cine, y en la actualidad las series televisivas, sin olvidar sus referencias a la historia del arte, que si en un momento fueron evidentes, en la actualidad aparecen veladas pero todavía presentes. Bajo la apariencia de unos resultados visuales obtenidos a partir de una tecnología 3D podemos hallar referencias claras al Barroco, si no pensemos, por ejemplo, en las imágenes digitales Sin título (Monstruas) (2011), cuyos rostros femeninos que parecen barridos por una violenta ráfaga de viento, nos recuerdan las figuras barrocas de la Capilla Sansevero de Nápoles, en la que la figura femenina del Pudor, esculpida en mármol, aparece velada por el fino velo que cubre su rostro.

Rostros sin ojos que se contraponen a las múltiples piezas en las que los ojos se convierten en absolutos protagonistas: ojos sin rostro, que observan, que persiguen a quien los mira con atención, que se transforman, ojos cuya pupila se va dividiendo progresivamente en múltiples pupilas, como en Multiplicidad (2006), o bien ojos que se consumen, como reza el título de uno de sus vídeos: El fuego de la visión (2015).

A raíz de su exposición en la Sala Alcalá31 de Madrid en 2015-16, Marina Núñez hacía las siguientes declaraciones: “Integrar “el lado obscuro” nos permite intuir un ser humano más completo. La sociedad aparta a los monstruos porque son chivos expiatorios. Abracemos la parte desordenada, inconsciente y pulsional” y para ello nos propone ”otra subjetividad, otra sensibilidad, otra experiencia, que surjan desde lo que hasta ahora estaba enterrado y descalificado, y que sugieran otras formas menos rígidas y brutales, de ser y estar”.

Glòria Picazo
Mayo 2017

Marcel Giró
Luz e força
30.03.2017 - 22.05.2017

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Marcel Giró (Badalona,1913-2011) se exilió en Brasil desde los años 40. A pesar de ser desconocido en España hasta la fecha, ha sido uno de los miembros con mayor reconocimiento en Brasil de la Escuela Paulista y uno de los integrantes, junto con German Lorca, Gaspar Gasparian y Thomas Farkas, entre otros, del Foto Cine Clube Bandeirante, movimiento fundado en 1939 donde a partir de mediados de la década de 1940 comienza a cuestionarse el pictorialismo y a manifestarse la estética moderna en la fotografía brasileña.

En la exposición se incluyen las fotografías inéditas de los años 30 que se inscriben dentro del pictorialismo, mostrando ya una especial mirada hacia la composición, aspecto fundamental que estará presente en toda su obra posterior.

El año 1950 marca el momento en el que los fotógrafos vinculados al Foto Cine Clube Bandeirante comienzan a romper con el aislamiento que la fotografía había padecido hasta entonces y a reivindicarla como expresión artística autónoma, explorando e investigando nuevos encuadres, geometrías y juegos de luz y sombra. Nace en este momento la Escuela Paulista, denominación acuñada por la crítica en las publicaciones especializadas de la época para designar las fotogra- fías modernas del Foto Cine Clube Bandeirante.

Se produce el nacimiento de la fotografía moderna en Brasil. Paralelamente, el pensamiento y la realidad socio-cultural de esta época en profunda transformación, gira en torno a una política de desarrollo urbano e industrial acompañada por un progreso económico y social. Todo ello se refleja en la fotografía de la Escuela Paulista, tanto en los aspectos temáticos de los encuadres del paisaje urbano moderno como en la utilización de las técnicas fotográficas por medio de la experimentación pura.

La Escuela Paulista, gracias a la voluntad indómita y vanguardista de sus miembros, transforma la identidad de la cartografía urbana de São Paulo, vislumbrada gracias a ángulos excéntricos que, formando composiciones con líneas, encuadres cerrados y efectos de claro–oscuro, inaugura una ciudad fragmentaria, sin pasado. En definitiva, un nuevo São Paulo.

Marcel Giró desarrolla una visión fotográfica que evidencia las ambigüedades entre figuración y abstracción. Sus fotos juegan a confundir la percepción de quien las observa, ya sea por el juego en la escala de los objetos como por el énfasis en remarcar efectos gráficos en el objeto fotografiado. Con una unidad formal sorprendente, desde las sombras más duras a la geometría más fría, pero siempre con una gran delicadeza que impregna sus fotografías, lo que enriquece la obra de Giró es el juego que establece por la ambigüedad que crea entre figuración y abstracción.

Para Giró, integrante de un movimiento vanguardista, es fundamental la búsqueda de nuevos lenguajes. Persigue una nueva estética, se sirve de un lenguaje formal con una sintaxis propia, altera las perspectivas, contrasta las luces y las sombras hasta el límite, acercando tanto las líneas y las texturas que acaba convirtiendo sus fotografías en “pinturas”, distorsionando de esta manera la realidad para convertirla en un objeto artístico.

La calidad y excepcionalidad de los vintage 30x40cm de Marcel Giró hace que recientemente se hayan integrado a las colecciones del Museum of Modern Art (MoMA, New York), MASP (Museu de Arte de São Paulo), Itaú Cultural (São Paulo) y el Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC, Barcelona).

Mayte Vieta
IRREPETIBLE
15.12.2016 - 23.03.2017

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  • RocioSantaCruz, IRREPETIBLE
  • RocioSantaCruz, IRREPETIBLE

    Mama, II, 2016
    50 x 70 x 90 cm

  • RocioSantaCruz, IRREPETIBLE

    Mama, II, 2016
    50 x 70 x 90 cm

  • RocioSantaCruz, IRREPETIBLE

    Irrepetible, 2016

  • RocioSantaCruz, IRREPETIBLE
  • RocioSantaCruz, IRREPETIBLE

    Irrepetible, 2016

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    Irrepetible, 2016

  • RocioSantaCruz, IRREPETIBLE

    Irrepetible, 2016

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    Irrepetible, 2016

  • RocioSantaCruz, IRREPETIBLE

    Irrepetible, 2016

  • RocioSantaCruz, IRREPETIBLE

    L' Attente, 2016
    124 x 189 cm

  • RocioSantaCruz, IRREPETIBLE

    L' Attente, 2016
    124 x 189 cm

  • RocioSantaCruz, IRREPETIBLE

    Irrepetible, 2016

  • RocioSantaCruz, IRREPETIBLE

    Dulce hogar, a veces..., 2016
    124 x 185.8 cm

  • RocioSantaCruz, IRREPETIBLE

    El Bosque ( Nostalgia 3), 2016
    124 x 185.8 cm

  • RocioSantaCruz, IRREPETIBLE

    Mama, 2016
    150 x 150 cm

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    Animales del tiempo, 2016
    7 x 14 x 93 cm

  • RocioSantaCruz, IRREPETIBLE

    Animales del tiempo, 2016
    7 x 14 x 93 cm

  • RocioSantaCruz, IRREPETIBLE

    Animales del tiempo, 2016
    7 x 14 x 93 cm

  • RocioSantaCruz, IRREPETIBLE

    Irrepetible. Llum (1,2,3,4), 2016

  • RocioSantaCruz, IRREPETIBLE

    Irrepetible. Llum (1), 2016

  • RocioSantaCruz, IRREPETIBLE

    Irrepetible. Abrazos (1,2,3), 2016
    41 x 53 cm

  • RocioSantaCruz, IRREPETIBLE

    Irrepetible. Abrazos (Detalle), 2016
    41 x 53 cm

  • RocioSantaCruz, IRREPETIBLE

    Nocturna 6, 2014-2016
    124 x 184.7 cm

  • RocioSantaCruz, IRREPETIBLE

Habría querido hablar sin imágenes,
Sólo empujar la puerta…
Pero para lograrlo
Tengo miedo, incertidumbre, a veces piedad:

No se vive mucho tiempo como los pájaros

En la evidencia del cielo,

Y vuelto a caer a tierra,

No se ve ya en ellos precisamente sino imágenes O sueños.

Philipe Jaccottet

“A la luz del invierno”,1977.

Calima Edicions

IRREPETIBLE es un proyecto de Mayte Vieta que nos invita a hacer un recorrido entre espacio y tiempo a través de la fotografía y la escultura. Un viaje hacia la nostalgia que nos conduce hacia el vacío, la ausencia y lo incompleto.

Entre lo íntimo y lo desconocido, la artista nos lleva a establecer un diálogo con la fragilidad humana, la vida y la muerte a través de un estudio de lenguajes y materiales que se reflejan en el enfrentamiento, la contemplación y la complejidad de los acontecimientos que nos vamos encontrando a lo largo del tiempo.

La artista reune en esta exposición una serie de piezas en las que ha ido trabajado durante los últimos años, con el objetivo de capturar instantes precisos para devolverlos ahora en esta muestra como un guiño del tiempo “Irrepetible”.

Pep Duran
AMORFA
29.09.2016 - 03.12.2016

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    Serie Nucli / Suite Magma, 2014. Pep Duran

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Sin título, 2014
    Serie Nucli
    Paja cosida, fieltro, lona, papel de lija y botones.
    44 x 43,5 x 3,5 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Sin título, 2014
    Serie Nucli
    Paja cosida, fieltro, diversos objetos de madera, cuero y paja.
    44,5 x 44,5 x 4,5 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Sin título, 2014
    Serie Nucli
    Fragmentos de madera y de papel, paja cosida y tinteros.
    45 x 45 x 6 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Sin título, 2014
    Serie Nucli
    Paja cosida, fragmentos de fotografías y de madera.
    46 x 46 x 5 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Sin tíulo, 2014
    Serie Nucli
    Corcho, fragmentos de madera y carton.
    39 x 38 x 7,5 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Sin tíulo, 2014
    Serie Nucli
    Fieltro, paja cosida, cuero, cartón y fragmentos de madera.
    41 x 40 x 5 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Sin título, 2014
    Serie Suite Magma
    Cartones y objetos forrados con lona
    47 x 38 x 6,5 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Sin título, 2014
    Serie Suite Magma
    Fragmentos de fieltro, madera y cuero.
    57 x 57 x 4 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Sin título, 2014
    Serie Suite Magma
    Cartones, ojetes metalicos y cola. 36,5 x 36 x 3 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Sin título, 2014
    Serie Suite Magma
    Fragmentos de cartón y punzonadas
    38 x 32 x 5 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Sin título, 2014
    Serie Suite Magma
    Cartones, paja cosida y lápiz de grafito.
    40 x 35 x 6 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Sin título, 2014
    Serie Suite Magma
    Fragmentos de maderas.
    34 x 31x 6,5 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Sin título, 2014
    Serie Suite Magma
    Madera, fieltros y clavos
    33 x 29 x 5 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Sin título, 2014
    Serie Suite Magma
    Fragmentos de madera y chinchetas
    34 x 30 x 6 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Sin título, 2014
    Serie Suite Magma
    Cartón y carretes de madera.
    40 x 35 x 5 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Sin título, 2014
    Serie Suite Magma
    Cuero, lona, cartón, ojetes metálicos, paja cosida y fieltro.
    38 x 37 x 6 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Amorfa, Pep Duran

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Residual, 2009

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Residual, 2009
    Aluminio y aluminio fundido
    76,5 x 21 x 23,5 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Residual, 2009
    Aluminio y aluminio fundido
    76,5 x 24 x 25 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Residual, 2009
    Aluminio y aluminio fundido
    76,5 x 19 x 24 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Residual, 2009

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Residual, 2009
    Aluminio y aluminio fundido
    76,5 x 15 x 21,5 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Residual, 2009
    Aluminio y aluminio fundido
    76,5 x 15 x 22 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Residual, 2009
    Aluminio y aluminio fundido
    76,5 x 20 x 25 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Residual, 2009
    Aluminio y aluminio fundido
    76,5 x 21 x 23 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Apilamiento, 2009

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Apilamiento, 2009
    Bronce patinado y apilamientos de madera
    36 x 23 x 19 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Apilamiento, 2009
    Bronce patinado y apilamientos de madera
    34 x 30 x 30cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Apilamiento, 2009
    Bronce patinado y apilamientos de madera
    51 x 22 x 25 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Apilamiento, 2009
    Bronce patinado y apilamientos de madera
    45 x 27 x 22 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Apilamiento, 2009
    Bronce patinado y apilamientos de madera
    61 x 34,5 x 39 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Apilamiento, 2009
    Bronce patinado y apilamientos de madera
    51 x 31 35 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Apilamiento, 2009
    Bronce patinado y apilamientos de madera
    51,5 x 30 x 30 cm

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Serie Collage Amorfa, 2013-2014
    Técnica mixta sobre cartulina
    Medidas Variables

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Serie Collage Amorfa, 2013-2014
    Técnica mixta sobre cartulina
    Medidas Variables

  • RocioSantaCruz, AMORFA

    Serie Collage Amorfa, 2013-2014
    Técnica mixta sobre cartulina
    Medidas Variables

Estos últimos Ensamblajes intitulados MAGMA (S) / NUCLI (S) y que forman parte de la exposición AMORFA tienen que ser leídos como un mural secuencia, tienen que ser mirados como si lo hiciéramos a través de una lupa…
Fragmentos aumentados, ampliados, deformados, arrugados…
Ensamblar/ condensar

Fragmentación y agrupación, ordenar Desechos.
Un dietario objetual: choque de materiales desechados, selectos detritus surgidos de encolar una mezcla de Mundos; físico, terrenal, seminal, cinético, centrípeto…

Es, seguramente el último intento para fijar, acotar (ya definitivamente) un lenguaje personal construido con materiales indultados, y que se han solidificado, petrificado… convirtiéndose en ARTEFACTOS FÓSILES.

Pep Duran, 2016

Mar Arza
RESQUICIO
16.06.2016 - 23.09.2016

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  • RocioSantaCruz, RESQUICIO

    R E S Q U I C I O, Mar Arza, 2016.

  • RocioSantaCruz, RESQUICIO

    R E S Q U I C I O, Mar Arza, 2016.

  • RocioSantaCruz, RESQUICIO

    R E S Q U I C I O, Mar Arza, 2016.

  • RocioSantaCruz, RESQUICIO

    R E S Q U I C I O, Mar Arza, 2016.

  • RocioSantaCruz, RESQUICIO

    R E S Q U I C I O, Mar Arza, 2016.

  • RocioSantaCruz, RESQUICIO

    Escribanía
    Páginas con plegados barrocos como texto
    Porcelana sobre atril de DM
    150 x 144 x 80 cm
    2016

  • RocioSantaCruz, RESQUICIO

    Solapado
    Marquetería de papel
    70 x 50 cm
    2016

  • RocioSantaCruz, RESQUICIO

    Desleído
    Papel liado
    44 x 36 cm
    2015

  • RocioSantaCruz, RESQUICIO

    Desleído I
    Papel liado
    44 x 36 cm
    2015

  • RocioSantaCruz, RESQUICIO

    Desleído II
    Papel liado
    44 x 36 cm
    2015

  • RocioSantaCruz, RESQUICIO

    Detalle Desleído
    Papel liado
    44 x 36 cm
    2015

  • RocioSantaCruz, RESQUICIO

    Hemiciclio
    Páginas de libro recortadas
    120 x 40 cm
    2015

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    Concepcional rather than conceptual
    Proyecto de creación de palabras y su definición e inserción en el diccionario. Palabras doledad/nubledad, filopedia/enciclosofia, entrelínea/entredecir, cumulolimbo. Lápiz sobre papel de dibujo. 7 dibujos. En proceso, ampliable en el tiempo.
    100 x 66 cm
    2016

  • RocioSantaCruz, RESQUICIO

    Concepcional rather than conceptual
    Proyecto de creación de palabras y su definición e inserción en el diccionario. Palabras doledad/nubledad, filopedia/enciclosofia, entrelínea/entredecir, cumulolimbo. Lápiz sobre papel de dibujo. 7 dibujos. En proceso, ampliable en el tiempo.
    100 x 66 cm
    2016

  • RocioSantaCruz, RESQUICIO

    Abismos
    2 fotografías impresas con estampa digital Giclée con 8 tintas pigmentadas sobre papel Hahnemühle Photo Matt Fibre de 200g
    Edición de 7 ejemplares
    80 x 60 cm
    2016

  • RocioSantaCruz, RESQUICIO

    Abismos
    2 fotografías impresas con estampa digital Giclée con 8 tintas pigmentadas sobre papel Hahnemühle Photo Matt Fibre de 200g
    Edición de 7 ejemplares
    80 x 60 cm
    2016

  • RocioSantaCruz, RESQUICIO

    Abismos
    2 fotografías impresas con estampa digital Giclée con 8 tintas pigmentadas sobre papel Hahnemühle Photo Matt Fibre de 200g
    Edición de 7 ejemplares
    80 x 60 cm
    2016

  • RocioSantaCruz, RESQUICIO

    Germen
    Acuarela sobre papel de grabado
    100 x 70 cm
    2016

  • RocioSantaCruz, RESQUICIO

    Detalle Germen
    Acuarela sobre papel de grabado
    100 x 70 cm
    2016

  • RocioSantaCruz, RESQUICIO

    Inherencia
    Páginas de porcelana sobre mesa de DM
    120 x 90 x 40 cm
    2016

  • RocioSantaCruz, RESQUICIO

    Inherencia
    Páginas de porcelana sobre mesa de DM
    120 x 90 x 40 cm
    2016

  • RocioSantaCruz, RESQUICIO

    Mar Arza en 'R E S Q U I C I O' 2016

“Toda conciencia es umbral”
Gilles Deleuze , El pliegue.

La palabra R E S Q U I C I O remite a una leve abertura, pero también a un rastro. El rastro que deja atrás la palabra que, como arado, labra sobre la conciencia y, como surco, deja una hendidura en la superficie, carnosa tal vez, del alma. Labrar con la palabra. Palabradora.

Hay palabras que inventan mundos. Palabras que no se encuentran en el diccionario. Acusan una falta que en el imaginario propio se presenta como indispensable. De ahí la osadía de insertar vocablos en el diccionario. Palabras que a lo largo del tiempo se aparecen en la cotidianidad de la práctica en el estudio y llegan a crear conceptos desajustados, connotaciones diversas, que necesitan de mención aparte. El lenguaje está vivo y en constante transformación, es maleable aún en el proyecto esbozado de definir nuevas significaciones. Aviso: la palabra doledad no se encuentra en el diccionario. Tampoco nubledad, enciclosofía, cumulolimbo…

La constatación de las tres realidades para un mismo concepto de One and three chairs, de Joseph Kosuth, deja evidencia de sus representaciones formales: un objeto, su imagen y su vocablo convenientemente de nido. Pero, ¿qué sucede cuando la propuesta no es explorar los límites de esa evidencia múltiple del lenguaje sino proponer abrir una brecha para transcribir una objeción al vocabulario, una impugnación que resurge de la página blanca, neutra y callada hasta entonces?

Frente a la propuesta conceptual de Kosuth, responde a esta cuestión el término concepcional : de nueva concepción. Traslada el énfasis a la conjunción de elementos, a la fecundidad de los semas en su variabilidad y viveza, en su lirismo. Aquello que constata el centro semillero de lo concepcional es el proyecto de un diccionario para uso propio, a la manera de la literatura portátil descrita por Vila Matas:

“Todos, como puedes ver, se han embarcado en proyectos que, a excepción del de la Bocado, son de un portatilismo agudo, frenético y desesperado. Hasta Savinio, que ha sido siempre el máximo exponente de este rasgo tan portátil que consiste en ser, a veces, profundamente perezoso, no para de hacer cosas y está inmerso en una obra tan shandy como inconmensurable: tan descontento está de las enciclopedias, que se está haciendo la suya propia para su uso personal. Y creo que hace muy bien, pues, a fin de cuentas, Schopenhauer, por ejemplo, estaba tan descontento de las historias de la filosofía, que se hizo la suya propia para su uso personal”. Enrique Vila-Matas, Historia abreviada de la literatura portátil, 1985.

Un paso más allá era imaginar una definición, proyectada sobre un espacio ficticio que simula el lugar concreto de su posible inserción en orden alfabético. Rebate un vacío y cuestiona el canon de un lenguaje en continua reinvención. El germen de una osadía aflora a la superficie. ¿Qué hubiese ocurrido si, en vez del término silla, Kosuth hubiese utilizado la palabra soledad? ¿Qué representación hubiese ocupado el lugar de la foto de la silla? ¿Y el del objeto mismo? La representación de lo intangible plantea problemas al ideario conceptual.

Hoy en día se siguen llamando prácticas conceptuales a todo un colmado de “restos de gestos” más o menos ininiteligibles. Lo conceptual está en muchos casos diluido si nos remitimos a la fuente, el escrito fundacional de Kosuth, Art after Philosophy:

“With the unassisted Ready-made, art changed its focus from the form of the language to what was being said. Which means that it changed the nature of art from a question of morphology to a question of function. This change – one from “appearance” to “conception” – was the beginning of “modern” art and the beginning of conceptual art. All art (after Duchamp) is conceptual (in nature) because art only exists conceptually.

The “value” of particular artists after Duchamp can be weighed according to how much they questioned the nature of art; which is another way of saying “what they added to the conception of art” or what wasn’t there before they started. Artists question the nature of art by presenting new propositions as to art’s nature”. Joseph Kosuth, Art after Philosophy, 1969.

El arte se perfilaba como una operación sin resto, sin resquicio alguno, que aspiraba a ser transparente y cuya finalidad era transgredir los propios límites del arte, cuestionar su propia naturaleza. En definitiva, es autoreferencial. Si la función es propiamente el mismo cuestionamiento de sus principios e incluso, sus convicciones, el valor reside precisamente en una búsqueda constante de sus límites. Aunque la operación, disfruta en mayor o menor medida de forma y es ésta su gran contradicción, incluso en el simple hecho originario de constatar las tres realidades del lenguaje, adquiere lo conceptual una forma cierta.

Del desafío de los límites surge la constatación de su anomalía. La búsqueda perpetua y salvaje de su adn arroja más incertezas que certezas. Aunque el arte no sólo cuestiona su propia naturaleza, también las naturalezas adyacentes, si bien es su misma naturaleza el cuestionamiento. Este cuestionamiento, y quizá la necesidad de justificación de ese cuestionamiento como motivación principal del artista, podría ser el que da coartada al apelativo de conceptual en la actualidad. Lo conceptual abarca hoy una actividad del pensamiento destinada a dotar de contenido más que a trasgredir los límites del arte. Este desajuste pasa desapercibido y se mantiene la vigencia de la designación.

En cambio, lo concepcional, derivado directo de “conception” —como bien utiliza Kosuth en su escrito—, se decanta por una actividad que requiere de la conjunción, de la fecundación. La utilización de este término, concepcional, parece soportar todo el peso de aquello que traemos nuevo al mundo de manera conjunta alimentándonos los unos a los otros. Y no porque transgredimos los límites, sino porque los diluimos.

Una gota de acuarela caída sobre una hoja blanca se restringe sólo a una forma si, indudablemente, necesita de la ecuación con el papel equivocado para expandir todo el potencial de su forma de nervadura?

Una página blanca destinada a gravado es interpelada por una gota de acuarela. El gesto deja aquí una bella huella, ininteligible si no se lee la composición de materiales que la provocan. Lo inapropiado de la conjunción propicia que la gota se despliegue por la superficie del papel de manera particular, creando unas intrincadas nervaduras fruto de la finalidad de sus fibras de capilarizar la humedad. La estructura interna del papel es indispensable para que la acuarela se comporte de ese modo y no de otro. El desafío reside aquí en las ecuaciones binarias que no se ajustan a la norma y que propician la abertura, la incerteza.

Susan Guber lo describe muy bien en su ensayo: The Blank Page. Pone énfasis en la importancia previa de la página en blanco en el proceso creativo y su identificación con la creatividad femenina, que disponía la esencial materia primera en la que volcar la inscripción. De la misma forma que la mancha necesita para su desarrollo del papel inadecuado, en principio equivocado. Este supone la base sobre la que construir de nuevo el desafío.

La misma expresividad de la hoja en blanco que Guber propone y reivindica, es la que origina o claudica cada una de las piezas presentes en la exposición R E S Q U I C I O.

“The blank page contains all stories in no story”.

Los textos se precipitan a la página en blanco. El blanco convoca al texto en su afán de sombras.

En la obra Desleído, el rumor de texto aparece como una interferencia. Una especie de espuma del lenguaje  otando sobre la superficie de la página. Lineas distorsionadas, emborronadas, ininteligibles. Como un organismo en plena descomposición. El participio desleído sugiere el verbo desleer, aunque en realidad proviene de desleír: diluir un sólido en un líquido; atenuar las ideas. Parece impregnar de desazón a su derivado desleer, palabra por otra parte inexistente en el diccionario. Sin embargo me sugiere la acción contraria, la que contribuye a una lectura activa, pues una vez embebida la razón de un texto, permitimos que este nos transforme. A través del filtro del cuerpo un texto se nos deshace en las entrañas para dejar un poso, un fondo que no se diluye pero si germina. Un paso necesario para volver a configurar un lenguaje propio, asimilado, destilado por la propia experiencia.

A continuación, la construcción de un espacio de vacíos sobreviene en la serie Solapado. Las páginas de cortesía de un libro, sus blancos previos, sus citas y sus títulos, el preludio de un contenido que no llega, se insinúa solapado por nuevos blancos que lo relegan a la veladura de un fondo insondable de latencias. Subyace en el blanco hipnótico, amniótico de lo que se mantiene a resguardo.

Otro blanco inmenso: Siempre jamás, nos deja perdidos en la enormidad del papel ante el cual percibimos un horizonte que divide el espacio. Un horizonte de donde sobresalen signos indescifrables como vertientes equidistantes de un trámite a dos que no fructifica. La voz colisiona y reverbera. La mitad superior de la palabra, cortada transversalmente, alberga suficientes elementos como para seguir descifrándola y continuar la lectura. La mitad inferior, en cambio, neutraliza cualquier atisbo de reconocimiento. Plegadas sobre sí mismas, las dos mitades inferiores trazan un relieve de incomunicación. Instalados en la lógica borrosa del presente, persiste un aturdimiento de las formas dialógicas. La confrontación oculta, pliega sobre sí mismo la complejidad de los distintos puntos de vista. Multiplicadas las líneas de confrontación, bien podemos tener el horizonte parlamentario actual. Siempre jamás, el país de.
El texto plegado sobre sí mismo se desliza a las profundidades. Un deslizamiento, tal como proponía Gilles Deleuze, que desplaza la superficie a la profundidad, y la profundidad a la superficie. Dos fuerzas opuestas que ejercen sendos movimientos. La superficie y su piel más visible —el lenguaje—, se deslizan hacia las entrañas. Mientras que las entrañas emergen a la superficie de unas páginas blancas, que se retuercen, pliegan y repliegan como capas tectónicas en el plano terrestre. En su in-quietud, asaltan el vacío con sus curvaturas.

Las páginas de porcelana de Inherencia inician el impulso de la curvatura. La páginas nacaradas de relieves barrocos de Escribanía desarrollan la multiplicidad de los pliegues y repliegues. El sentir se hace relieve y recoveco. Un relieve que anuncia luz y sombra, matices e insinuaciones.

“There are those who want a text (an art, a painting) without a shadow, without the “dominant ideology”, but this is to want a text without fecundity, without productivity, a sterile text”. Roland Barthes, The pleasure of text, 1973.

La sombra del arte es fecundidad. Hélène Cixous lo describe muy bien cuando se re ere a la escritura y su afán de templar la tensión entre aquello que se esconde y aquello que deviene:

“La literatura li deu la vida al secret, la seva missió la sobrepassa. Des del moment en què escrivim per exhumar, secretem el secret”. Hélène Cixous, La llengua m’és l’únic refugi, 2009.

La página es cuerpo que alberga y segrega el pliegue. El pliegue es texto, se lee en sus intersticios. El texto pliega la superficie de una página, tanto porque delata los vericuetos insondables del alma como la complejidad de una superficie humana.

Mar Arza.

Isabel Coixet
FACES
26.05.2016 - 11.06.2016

Abrir exposición RocioSantaCruz, FACES
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    Inauguración FACES

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    Exposición FACES

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    Exposición FACES

  • RocioSantaCruz, FACES

    Rinko Kikuchi
    y Juliette Binoche
    Rodaje 'Nobody wants
    the night' Finse,
    Noruega, 2014.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Penélope Cruz
    Ensayos Elegy
    Vancouver, Canada, 2008.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

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    Agnès Vardà
    Festival de Cannes, 2014.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Debbie Harry
    En 'My life without me',
    Vancouver, Canada.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Debbie Harry
    En 'My life without me',
    Vancouver, Canada.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Rinko Kikuchi
    Rodaje 'Map of the sounds of Tokyo', 2008.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Gabriel Byrne
    Rodaje 'Nobody wants the night' Fïnsse, Noruega, 2014.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Rinko Kikuchi
    Rodaje 'Nobody wants the night', Bulgaria, 2014.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Sarah Polley
    Rodaje 'My life without me' Vancouver, Canada.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Rinko Kikuchi
    Rodaje 'Map of the sounds of Tokyo', 2008.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Tim Robbins
    Madrid, 2013.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Mark Ruffalo
    Rodaje 'My life without me' Vancouver, Canada.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Dennis Hopper y Ben Kingsley
    Pruebas de vestuario 'Elegy', Vancouver, Canada, 2008.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Juliette Binoche
    Valladolid, 2015.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Tilda Swinton
    Ascensor, Berlin, 2013.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Rinko Kikuchi
    El día de su boda
    Tokyo, 2015

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Snow monkey
    Jigokudani Park
    Japan, 2008.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Candela Peña
    Barcelona, 2013.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Sarita Chudhory
    Marlow and Sons,
    Williamsburgh, NY, 2015.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Henning Mankell
    ascensor Berlín, 2013.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Debbie Harry
    En 'My life without me',
    Vancouver, Canada.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Ben Kinglsey
    Ensayos de 'Elegy', Vancouver, Canada.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Sarah Polley
    Con Jessica Amlee y Penny Joe Kennedy ensayos 'My life without me', Vancouver, Canada, 2003.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    John Berger
    Madrid, 2011.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Tilda Swinton
    estudio de Olafur Eliasson,
    Berlin, 2013.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Sergio Castellito
    Rodaje Bastille 'Paris je t'aime', 2006.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Lili Taylor
    Rodaje 'Things I never told you', Saint Helens, Oregon,1994.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Rinko Kikuchi
    Rodaje 'Map of the sounds of Tokyo', 2008.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Araki
    Karaoke Golden gai,
    Tokyo, 2008.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Lili Taylor
    Rodaje 'Things I never told you', Saint Helens, Oregon,1994.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Sarah Polley
    Rodaje 'My life without me'
    Vancouver, Canada, 2003.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Reed Brody's glasses,
    Park Slope, NYC, 2015.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Penélope Cruz
    Rodaje 'Elegy'
    Vancouver, Canada, 2008.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Candela Peña
    Barcelona, 2013.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Sergi López
    Spai Kru, Barcelona, 2016.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Julian Richings
    Rodaje 'My life without me'
    Vancouver, Canada, 2003.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Andrew McCarthy
    En los ensayos de 'Things I never told you', Saint-Helens, Oregon, 1994.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Alexis Arequette
    En los ensayos de 'Things I never told you', Saint-Helens, Oregon, 1994.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    John Berger
    Quincy-Meussy, 2015.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Juliette Binoche
    Pruebas de maquillaje
    'Nobody wants the night'
    Madrid, 2014.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Juliette Binoche
    Rodaje 'Nobody wants the night', Finse, Noruega, 2014.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    John Berger
    Paris, 2013.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Juan Coixet
    Barcelona, 2014.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Dennis Hopper
    pruebas de vestuario 'Elegy', Vancouver, Canada, 2008.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Juliette Binoche
    Rodaje 'Nobody wants the night', Finse, Noruega, 2014.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Penélope Cruz
    En su casa, Madrid, 2009.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

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    Gabriel Byrne
    Rodaje 'Nobody wants the night' Fïnsse, Noruega, 2014.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Tim Robbins
    Rodaje 'The secret life of words' Belfast, Irlanda, 2005.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Sarah Polley
    Rodaje 'The secret life of words', Belfast, Irlanda.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Sergi López
    Espai Kru, Barcelona, 2016.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    Tim Robbins
    Rodaje 'The secret life of words',
    Belfast, Irlanda, 2005.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

  • RocioSantaCruz, FACES

    John Berger
    Quincy-Meussy, 2015.

    Impresión Giclée con tintas pigmentadas sobre papel Museum Rag Etching 300g.
    Edición de 9 ejemplares.

FACES reúne 52 fotografías realizadas por la directora Isabel Coixet tomadas
durante los rodajes de sus películas. Rostros y retratos de una variedad de actores
y actrices como Tim Robbins, Juliette Binoche, Rinko Kikuchi y escritores como
Henning Mankell y John Berger.

Isabel Coixet y la galería RocioSantaCruz destinarán el beneficio de las ventas de esta exposición a Proactiva Open Arms, una ONG nacida en Badalona que desarrolla su acción humanitaria socorriendo a los refugiados en Lesbos y garantizándoles un desembarque seguro. Para que Proactiva Open Arms continúe su importante labor, se necesitan más fondos destinados a cubrir nuevas necesidades y proteger más vidas. Òscar Camps, activista y director de la asociación recibió el premio Català de l’Any 2015 por su iniciativa y dedicación.

 

Las caras son mi paisaje.

No las paredes, ni las puestas de sol.

No los océanos o las calles o los rascacielos.

Cada rostro que he filmado es un pedazo de vida
que he amado.

Una ventana a los otros.

A los que me han dejado atisbar en sus corazones
y me han entregado por unos instantes un fragmento de lo que son.
A veces la mejor versión de sí mismos.

Otras, una versión pura, en bruto, sin destilar.

Recuerdo con una precisión inaudita -una precisión que no tengo en absoluto para recordar donde he puesto las llaves del coche o el teléfono- el momento exacto en qué tomé cada fotografía. El grado de libertad o de alcohol. La efervescencia. Lo que sentía el ser al otro lado de la cámara. Lo que yo sentía. La temperatura. El aire del tiempo. El olor.

Todos estos rostros me acompañan.

Los amo.

No puedo evitarlo.

Isabel Coixet, primavera 2016

 

En Colaboración:

logos01 logos02

logos07logos05 logos06  logos08logos09

logos03logos04

 

 

Lluís Hortalà
“Il y a bien du monde aujourd’hui a Versailles”
14.04.2016 - 21.05.2016

Abrir exposición RocioSantaCruz, “Il y a bien du monde aujourd’hui a Versailles”
  • RocioSantaCruz, “Il y a bien du monde aujourd’hui a Versailles”

    “Il y a bien du monde aujourd’hui a Versailles”

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    “Il y a bien du monde aujourd’hui a Versailles”

  • RocioSantaCruz, “Il y a bien du monde aujourd’hui a Versailles”

    “Il y a bien du monde aujourd’hui a Versailles”

  • RocioSantaCruz, “Il y a bien du monde aujourd’hui a Versailles”

    Madame du Barry
    / Madame Marie Antoinette
    oli sobre fusta
    195 x 305 x 4,3 cm
    2015

  • RocioSantaCruz, “Il y a bien du monde aujourd’hui a Versailles”

    Detalle 'Madame du Barry' 2016

  • RocioSantaCruz, “Il y a bien du monde aujourd’hui a Versailles”

    Detalle 'Madame du Barry' 2016

  • RocioSantaCruz, “Il y a bien du monde aujourd’hui a Versailles”

    Madame du Barry
    / Marie Antoinette
    óleo sobre madera
    105 x 170 x 3,8 cm
    2015

  • RocioSantaCruz, “Il y a bien du monde aujourd’hui a Versailles”

    Detalle 'Madame Marie Antoinetta' 2016

  • RocioSantaCruz, “Il y a bien du monde aujourd’hui a Versailles”

    Detalle 'Madame Marie Antoinetta' 2016

  • RocioSantaCruz, “Il y a bien du monde aujourd’hui a Versailles”

    Detalle 'Madame Maria Antoinette' 2016

  • RocioSantaCruz, “Il y a bien du monde aujourd’hui a Versailles”

    Le Cour de marbre
    óleo sobre madera
    medidas variables
    2016

  • RocioSantaCruz, “Il y a bien du monde aujourd’hui a Versailles”

    Le choix du roi
    óleo sobre madera
    68 x 358 x 6 cm
    2015-2016

  • RocioSantaCruz, “Il y a bien du monde aujourd’hui a Versailles”

    Guardas
    impresión digital giclée sobre
    Hahnemhülle Photo Rag de 308g
    80 x 53 cm c/u
    2016

  • RocioSantaCruz, “Il y a bien du monde aujourd’hui a Versailles”

    Paisatge
    óleo sobre madera
    55 x 90 cm
    2015

  • RocioSantaCruz, “Il y a bien du monde aujourd’hui a Versailles”

    Pintura II
    óleo sobre madera
    40 x 40 x 4 cm
    2016

Trampantojo o el ilusionismo del poder

Diálogo con Alejandro de la Sota:
– “sabe usted que es un trono papal?” me preguntó
– “no sabría qué decirle” contesté
– y responde Alejandro de la Sota  “Es una silla elevada al cuadrado”.

De esta forma simple, como la magnífica propuesta arquitectónica de su irónico Gobierno Civil de Tarragona, De la Sota descubre cómo el poder actúa en la vida para crear boato, grandeza y ostentación, promoviendo obras artísticas legitimadoras de su poder. Ahora háganse la pregunta de si  es posible convertir un trono papal en una silla. La respuesta es que no, no es posible. La razón de esta imposibilidad es que, cuando la pátina  del poder alcanza un objeto, éste queda maldecido por la altura a la que es elevado, donde el escalador del poder acabará  teniendo mal de altura al intentar alcanzarla, y se le será negado al objeto volver  a su forma humilde y popular. Lo máximo que podremos hacer para combatir su grandeza es desposeerla de su capacidad de representación del poder. Para conseguirlo tenemos en nuestras manos tres caminos:  su destrucción, combatirla desde la ironía y  la sátira, o apropiándonos artísticamente de ella. Sólo de esta forma podemos despojarla de su mirada altiva, de su capacidad de seducción.

Lluis Hortalà, con sus dos chimeneas, habitantes destacados de Versalles, ha elegido el camino de la apropiación de la forma y el significado de poder para mostrarlas como espejos de nuestra condición humana. Las dos representaciones de chimeneas son reproducciones de las que podemos ver en el Salón du Jeu de Madame Dubarry y en el cabinet du billard de Marie Antoinette. Dos piezas  recreadas por Hortalà para reflejar nuestras flaquezas, nuestras ansias de mostrarnos al mundo como perpetuos ganadores.  Las dos chimeneas de Lluis Hortalà son un magnífico exponente de cómo el poder pervierte  la hoguera en la cueva o en el bosque para sobrevivir al frío invierno para convertirla, al elevarla al cuadrado,  en una construcción ostentosa que alcanza a tener más luminosidad que las llamas del fuego a las que debería servir, convirtiendo el fuego sagrado en un fuego fatuo. Incluso en no fuego pues están hechas, no para calentar y dar refugio, sino para exhibirse. En sus dos chimeneas, el pesado mármol de las originales han sido sustituidos por simples planchas de madera y óleo. Y es que para Hortalà pesan más las ideas que el mármol. Son chimeneas trampantojos que engañan el ojo pero no la mirada, pues tienen la capacidad de hacernos pensar que todo nace en el fuego de las pasiones y, entre ellas, la pasión por el poder es una de las que más arde y quema nuestros sueños de gloria. En ellas, en su quietud expositiva, se nos sugiere que, si no las comprendemos como artefactos críticos, sucumbiremos a su promesa de inmortalidad.

El poder representado en las Chimeneas es el poder que ninguna llama puede calentar. El cuerpo frío del que ha alcanzado la gloria, sea por nacimiento, méritos, o carambolas de la vida no será calmado por la danza de las llamas . De la misma forma que en el mito de la caverna de Platón, los hombres observan las sombras proyectadas en la pared de las cosas que suceden delante del fuego y no les permite ver la realidad, quedando atrapados en una ilusión, la chimenea de Hortalà nos ofrece  la ilusión del poder al que estamos encadenados.

Una crítica directa y luminosa a los monumentos levantados por los hombres alejados de la realidad, que celebran el poder de unos pocos. Todos los tiempos han levantado chimeneas totalitarias. Todas los tiempos han levantado escenografías para esconderse del contacto con la realidad y disfrutar de una plenitud estética que aleje de la incertezas de la vida. Como en los frescos de la Villa de Livia en Prima Porta en Roma, donde en su jardín mágico los pájaros pintados parecen volar y nosotros con ellos. Y, sin embargo, tras las monumentales chimeneas de Versalles, hay artesanos, artistas que le confieren una dignidad que las rescata de la ostentación y el vacío que habita en toda exhibición. Como denunció Giovanni Bellori “Pues si una obra magnífica está privada de la industria de los nobles artistas, no podrá atraer los ojos para que la admiren, sino que sólo se verá la ostentación de riquezas y tesoros gastados inútilmente…”

Hortalà nos convoca a ver y tocar los mármoles que han tiranizado a los poderosos en su afán de poseerlos.

Fèlix Riera

Mármol y poder de Ramón de España en el Periódico 17 de abril de 2016

 

Jordi Teixidor
Altas horas
04.02.2016 - 24.03.2016

Abrir exposición RocioSantaCruz, Altas horas
  • RocioSantaCruz, Altas horas

    Exposición Altas horas
    Jordi Teixidor

  • RocioSantaCruz, Altas horas

    Exposición Altas horas
    Jordi Teixidor

  • RocioSantaCruz, Altas horas

    Exposición Altas horas
    Jordi Teixidor

  • RocioSantaCruz, Altas horas

    Exposición Altas horas
    Jordi Teixidor

La exposición Altas horas es una propuesta de las obras de Jordi Teixidor a través
de la estructura formal (si se quiere también metafórica) de la puerta o de la ventana (tan matissiana). La obra de Teixidor nos propicia la reflexión, donde la  mirada no pretende tanto comprender la verdad de lo que ve, sino de que sea verdadera.

Y al final, como en uno de los poemas de Mark Strand:

Las puertas a ninguna parte se multiplican
y el presente queda tan lejos, tan profundamente lejos.

Varios Artistas
Espacio Cabinet
19.12.2015 - 27.01.2015

Abrir exposición RocioSantaCruz, Espacio Cabinet
  • RocioSantaCruz, Espacio Cabinet

    Curro Claret.
    Thriller collection.
    One year jewelry

  • RocioSantaCruz, Espacio Cabinet

    Curro Claret. Thriller collection.
    One year jewelry

  • RocioSantaCruz, Espacio Cabinet

    Curro Claret. Thriller collection.
    One year jewelry

  • RocioSantaCruz, Espacio Cabinet

    Curro Claret. Thriller collection.
    One year jewelry

  • RocioSantaCruz, Espacio Cabinet

    Curro Claret. Thriller collection.
    One year jewelry

  • RocioSantaCruz, Espacio Cabinet

    Curro Claret. Thriller collection.
    One year jewelry

Curro Claret. Thriller Collection. One Year Jewelry

Además Ediciones Originales expone una selección de obra gráfica y libros de artista de Peter Friedl, Carlos Pazos, Joan Fontcuberta, Perejaume, Ahlam Shibli, Rogelio López Cuenca, Hudinilson JR, Estrujenbank, Juan Ugalde, Hans-Peter Feldmann, Vera Chaves, Luiz Carlos Felizardo, Leopoldo Plentz,  Jean-Christophe  Ballot y Joan Rabascall, entre otros.

Varios artistas
Prosa del Observatorio
30.11.2015 - 30.01.2016

Abrir exposición RocioSantaCruz, Prosa del Observatorio
  • RocioSantaCruz, Prosa del Observatorio

    Mar Arza
    La negra cinta de la migraciones...

    Texto transcrito sobre cinta bicolor extendida
    Instalación en la pared: 200 x 80 cm
    2015

  • RocioSantaCruz, Prosa del Observatorio

    Mar Arza
    Detalle de La negra cinta de la migraciones...
    2015

  • RocioSantaCruz, Prosa del Observatorio

    Mar Arza
    Asterismo...

    Carcasa de palancas de máquina de escribir donde van solados los tipos, sobre peana de madera
    26 x 24 x 16 cm
    2015

  • RocioSantaCruz, Prosa del Observatorio

    Mar Arza
    Plenarios...

    Lámina antigua con el mapa de las constelaciones y escamas
    60 x 44 cm
    2015

  • RocioSantaCruz, Prosa del Observatorio

    Pep Duran
    Endurance (monocrom 1 y 2)

    Estampa Giclée
    117 x 88 cm c/u
    2015

  • RocioSantaCruz, Prosa del Observatorio

    Pep Duran
    CortAZAR ó CortAzar

    Escultura y peana blanca
    105,6 x 64 x 22,57 cm
    105,6 x 92 x 40 cm
    2015

  • RocioSantaCruz, Prosa del Observatorio

    Pep Duran
    CortAZAR ó CortAzar

    Escultura y peana blanca
    105,6 x 64 x 22,57 cm
    105,6 x 92 x 40 cm
    2015

  • RocioSantaCruz, Prosa del Observatorio

    Pep Duran
    Original Fotocollage Escenac

    Fragmentos de estampa Giclée y pintura
    63,5 x 49 cm
    2015

  • RocioSantaCruz, Prosa del Observatorio

    Montserrat Soto
    Invasión, Sucesión 49, 50, 51

    Fotografía
    50 x 90 cm
    2015

  • RocioSantaCruz, Prosa del Observatorio

    Montserrat Soto
    Invasión, Sucesión 51

    Fotografía
    50 x 90 cm
    2015

  • RocioSantaCruz, Prosa del Observatorio

    Montserrat Soto
    Invasión, Sucesión 50

    Fotografía
    50 x 90 cm
    2015

  • RocioSantaCruz, Prosa del Observatorio

    Montserrat Soto
    Invasión, Sucesión 49

    Fotografía
    50 x 90 cm
    2015

  • RocioSantaCruz, Prosa del Observatorio

    Blanca Casas Brullet
    Plan(o) de trabajo (Masegat)

    Tablero de contrachapado de haya y caballetes
    100 x 40 x 3 cm
    2015

  • RocioSantaCruz, Prosa del Observatorio

    Blanca Casas Brullet
    Soplo

    Vidrio de borosilicato soplado
    2015

  • RocioSantaCruz, Prosa del Observatorio

    Blanca Casas Brullet
    AguaNegra

    Vídeo, 1’30’’ en Bucle
    2014

  • RocioSantaCruz, Prosa del Observatorio

    Joan Bennassar Cerdà
    Pessimism of intellect, optimism of the will

    Metal, esmalte sintético y plata
    80 x 30 x 30 cm
    2015
    ----
    The limits of grouth

    Metal y esmalte sintético
    100 x 40 x 3 cm
    2015

  • RocioSantaCruz, Prosa del Observatorio

    Joan Bennassar Cerdà
    The snake charmer

    Metal, plomo y esmalte sintético
    160 x 50 x 30 cm
    2015

  • RocioSantaCruz, Prosa del Observatorio

    Lois Patiño
    Videoinstalación

    3 pantallas / HD /
    16:9 / color / 6:30 min. loop /
    2015

  • RocioSantaCruz, Prosa del Observatorio

    Lois Patiño
    Detalle Videoinstalación

    3 pantallas / HD /
    16:9 / color / 6:30 min. loop /
    2015

  • RocioSantaCruz, Prosa del Observatorio

    Lois Patiño
    Montaña 1, 2 y 3

    Fotografía digital
    Papel Hahnemüle
    2015

  • RocioSantaCruz, Prosa del Observatorio

    Ferran Garcia Sevilla
    Cotázar y Nietzsche

    Fotografía digital
    130 x 170 cm
    2015

  • RocioSantaCruz, Prosa del Observatorio

    Ferran Garcia Sevilla
    Paisaje Es Trenc Mallorca

    Fotografía
    68,3 x 100 cm c/u
    1973

Prosa del observatorio

Exposición coral donde siete artistas -Mar Arza, Joan Bennassar Cerdà, Blanca Casas Brullet, Pep Duran, Ferran Garcia Sevilla y Lois Patiño – reinterpretan el texto de Julio Cortázar Prosa del observatorio.