En el artículo Los mejores libros de fotografía de 2020 de ElPaís, Gloria Crespo Maclennan pregunta a diversos profesionales de la cultura a que recomienden sus dos libros de fotografía favoritos de 2020.
Compartimos con vosotros las recomendaciones de Rocío Santa Cruz:
Woman Go No’Gree de Gloria Oyarzabal. RM. 176 páginas
Con este libro Gloria Oyarzabal acaba de ganar el prestigioso premio Mejor Libro del Año de Paris Photo-Aperture 2020. Cuidadosamente editado y con un diseño gráfico innovador, arriesgado y a la vez muy bello, la artista traza un excelente diálogo en torno a la deconstrucción de la idea de la mirada y “el otro”. Explora, mediante el uso de imágenes encontradas, archivos y su propia fotografía, el colonialismo y el feminismo blanco en África occidental. Sus imágenes, que huyen del “exotismo”, diluyen las líneas que separan el fotoperiodismo de la fotografía artística y conceptual. Según la autora, “se trataría de descolonizar el feminismo cuestionando los marcos teóricos racionales eurocéntricos que construyen categorías de género de manera universalista”. A través de sus propias fotografías y de documentos históricos que colorea, Oyarzabal nos desafía a enfrentarnos con nuestros propios perjuicios y suposiciones.
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La caja roja de Antoni Campañà. Comanegra. 328 páginas.
Antoni Campañà nació en Arbúcies (Girona),en 1906, al mismo tiempo que el fotoperiodismo, ámbito en el que se hizo un autor renombrado como reportero deportivo y pionero de la postal turística. Ya antes de cumplir 30 años había logrado un amplio reconocimiento nacional e internacional por su refinado dominio del bromóleo. En los años anteriores a la Guerra Civil recibió numerosos premios y consolidó su posición como artista. En 1933 viajó a Múnich para formarse con el fotógrafo Willy Zielke. Llevó adelante un importante trabajo de experimentación e innovación, trascendiendo así los parámetros pictorialistas y convirtiéndose en un referente de la fotografía experimental en España. Durante los años de la Guerra Civil, Campañà tomó más de 5.000 fotografías. Retrata una realidad trágica y contradictoria, con la que traza un enorme friso de imágenes inéditas de grandísima calidad y que al final de la contienda entierra en el garaje de su casa. Su testimonio visual permaneció oculto durante décadas. Treinta años después de su muerte, su familia halló las imágenes guardadas en cajas rojas, que constituyen el excepcional fondo que sale a luz en la publicación La caja roja.
Andrés Galeano (Mataró, 1980) habla de su trayectoria, sus influencias y sus proyectos pasados y futuros en una interesante entrevista para Neo2 Magazine. De Wittgenstein a Google Street View pasando por Instagram y el Zeitgeist, Galeano reflexiona en este artículo sobre la posmodernidad y el lugar donde se encaja su tan atípico trabajo artístico. Su última investigación, meteorológica y de archivo, culminará en una serie de exposiciones en 2021.
Lee la entrevista completa aquí.
Fantástico artículo de Elena Pita para The New Barcelona Post en el que Rocío Santa Cruz habla sobre el papel del libro, el arte contemporáneo, ArtsLibris y el pensamiento. Rocío hace un recorrido a su trayectoria y cuenta los proyectos del futuro.
La herramienta digital, lejos de acabar con el libro físico, lo ha salvado: nunca se ha editado con tanto detalle, tanto aprecio por el papel, las tintas, las impresiones.
Es un placer anunciaros que la galería RocioSantaCruz ha recibido dos Premios GAC 2020, a la Mejor Programación en Galería y al Artista por la Mejor Exposición en Galería, para Gonzalo Elvira por su exposición Idilio.
Queremos agradecer a los miembros del jurado su reconocimiento y, de parte del equipo de RocioSantaCruz, dedicárselo a los artistas que integran nuestro proyecto. Su arrojo, excelencia e incansable empeño nos reafirman en nuestro camino y nos recuerdan que el arte es un lugar que habitamos conjuntamente.
En estos momentos tan duros, personal y profesionalmente, y con el sector cultural fuertemente sacudido por los estragos de la crisis sanitaria, recibir estos premios tiene un significado especial que queremos compartir con todos los compañeros y compañeras del gremio de galeristas. A quienes os quedáis trabajando después de bajar la persiana, a quienes no dejáis de buscar nuevas formas de acercar el arte al público, y de abrir puertas a través de la cultura. A todos y todas que vivís con pasión vuestro trabajo, este reconocimiento también es vuestro. Si algo ha quedado claro este año, es que necesitamos andar juntos.
Revive la exposición Idilio de Gonzalo Elvira aquí.
Y las exposiciones de 2019 por las que nos premiaron:
Prensa:
LA VANGUARDIA – La galeria RocíoSantaCruz, l’artista Gonzalo Elvira i el col·leccionista Josep Maria Civit, Premis GAC 2020 – 16/12/2020
LA VANGUARDIA – Teresa Sesé – Los galeristas catalanes premian a RocioSantaCruz y Gonzalo Elvira – 16/12/2020
En esta octava entrega de Paris Photo online, os presentamos la obra de Miguel Rio Branco (Las Palmas, 1946), uno de los artistas brasileños con mayor reconocimiento internacional.
Con un enfoque multidisciplinar, trabaja la fotografía, la pintura, el vídeo y la instalación. Su obra se caracteriza por una estética elocuente y abrumadora, la cual recurre a menudo a la intensidad cromática y a los claroscuros para crear composiciones de fuerte carga poética.
Rio Branco protagoniza dos importantes exposiciones en Europa y América Latina. Le Bal, en París, recoge su primera etapa fotográfica en Miguel Rio Branco – Photographies 1968-1992, que podrá verse del 16 de diciembre al 21 de marzo 2021. En São Paulo, Instituto Moreira Salles presenta Palavras cruzadas, sonhadas, rasgadas, roubadas, usadas, sangradas, una intensa retrospectiva que, tomando el archivo personal del artista como punto de partida, repasa los principales temas de su obra, enmarcándolos en un gesto a la vez reflexivo y transformador.
Estética visceral en clave pictórica
Rio Branco no huye del cuerpo, sino que ahonda en lo visceral. Su formación pictórica otorga una materialidad particular a su trabajo como fotógrafo y cineasta. El desarraigo, la pérdida y el desgarro son temas centrales en la obra del artista. El dolor y la sexualidad se ven sublimados por medio de su uso de colores saturados y fuertes contrastes. La ambivalencia es una de sus firmas más recurrentes, especialmente en la composición fotográfica: fuerzas opuestas que se disputan el control sobre la imagen y la cargan con un exceso de significado. Rio Branco no pretende reflejar lo que existe, sino crear nuevas posibilidades de existencia, nuevas verdades y miradas.Su obra ha sido reconocida y premiada internacionalmente, se ha expuesto en museos de todo el mundo y forma parte de colecciones públicas y privadas en centros como Museu de Arte Moderna do Río de Janeiro; Museu de Arte Moderna de São Paulo; Centre George Pompidou, Paris; San Francisco Museum of Modern Art; Stedelijk Museum, Amsterdam; Museum of Photographic Arts of San Diego; y Metropolitan Museum of New York.
Al hilo de nuestras anteriores publicaciones, en esta séptima entrega de Paris Photo online os presentamos la tercera y última parte de nuestra edición sobre el colectivo Foto Cine Clube Bandeirante (FCCB). RocioSantaCruz trabaja activamente con el fondo familiar de varios artistas del FCCB y es un referente internacional del Fotoclubismo. Os compartimos la obra de Rubens Teixeira Scavone.
Rubens Teixeira Scavone (Itatiba, 1925 – São Paulo, 2007)
En la obra de Rubens Teixeira Scavone confluyen dos disciplinas artísticas, la literatura y la fotografía. Pionero de la ciencia ficción en Brasil, fue un referente del vanguardismo paulista, ganador del Premio Jabuti de Novela en 1973 y presidente de la Academia Paulista de Letras, organización fundada a principios del siglo XX con el ánimo de difundir la literatura brasileña y acercarla, especialmente, a públicos jóvenes. Su compromiso social con la cultura encuentra un precedente en su madre, la escritora Maria de Lourdes Teixeira, y un relevo en su hijo, el fotógrafo Marcio Scavone, el cual aparece de forma recurrente en la obra de Teixeira Scavone desde la infancia. Scavone hijo es, además, una de los fotógrafos contemporáneos más importantes de Brasil y autor de algunos de los retratos más icónicos de nuestro tiempo; entre ellos, el que realizó de su padre.
Rubens Teixeira Scavone. O menino o robô. c. 1952
La fotografía de Teixeira Scavone se desarrolla en el marco estético del FCCB y comparte el interés de los Fotoclubistas por la abstracción, los contrastes y las formas geométricas. Su trabajo es el resultado de una profunda investigación narrativa, basada en la búsqueda de retóricas experimentales y nuevos efectos visuales, que otorga a sus composiciones un carácter literario. Como si de capítulos cortos se tratara, o de foto-cuentos, sus fotografías abren portales al mundo de la narrativa, a la mirada de este escritor devenido fotógrafo.
Marcio Scavone. Space Portrait RTS. 1969
Su obra forma parte de importantes colecciones internacionales como la colección del Museu de Arte de São Paulo (MASP), y del MoMA de Nueva York, donde formará parte de la exposición Fotoclubismo. Brazilian Modernist Photography, 1946-1964, del 21 de marzo al 12 de junio de 2021.
Al hilo de nuestra anterior publicación, en esta sexta entrega de Paris Photo online os presentamos la segunda parte de nuestra edición sobre el colectivo Foto Cine Clube Bandeirante (FCCB). RocioSantaCruz trabaja activamente con el fondo familiar de varios artistas del FCCB y es un referente internacional del Fotoclubismo. Os compartimos la obra de Germán Lorca.
Germán Lorca (São Paulo, 1922)
Contable de formación, Germán Lorca se unió al FCCB en 1949 como fotógrafo amateur. No tardó en convertir la fotografía en su única profesión. En 1952, deja definitivamente la contabilidad para abrir su primer estudio fotográfico. Los primeros años de su carrera profesional están marcados por una productividad frenética y una clara intención de trascender los códigos artísticos vigentes, producto de los fervientes debates del FCCB en torno a la experimentación y los límites del lenguaje visual.
La obra de Lorca articula una suerte de poética urbana de las calles de São Paulo, compuesta por paisajes a la vez cotidianos y desconcertantes. Combinando la intimidad y el extrañamiento, Lorca crea composiciones ambiguas y sugerentes. El punctum de Roland Barthes adquiere aquí un protagonismo imprevisto, pues las fotografías de Lorca están repletas de perforaciones, desgarros, inquietantes (des)encuentros escondidos en escenarios aparentemente familiares. Sólo al mirar a través de estas grietas visuales, y no alrededor de ellas, es posible descifrar el fascinante imaginario de Lorca, la lúcida libertad de su mirada.
Su obra se ha incluido en importantes colecciones alrededor del mundo, como Banco Itaú (São Paulo), Museu de Arte de São Paulo (MASP), Pinacoteca do Estado (São Paulo), Cisneros Fontanals Art Foundation (Miami) y MoMA (New York).
En esta quinta entrega de Paris Photo online, os presentamos la primera parte de nuestra edición sobre el histórico colectivo Foto Cine Clube Bandeirante (FCCB), referente de la fotografía de vanguardia en Brasil y todavía relativamente desconocido en Europa y Norteamérica. Sus fotografías se caracterizan por la búsqueda constante de nuevos lenguajes visuales y se enmarcan en el escenario de creciente industrialización y fervor creativo de la posguerra brasileña. La originalidad y arrojo de este grupo, compuesto esencialmente por fotógrafos y fotógrafas amateur, podrá verse por primera vez en su conjunto fuera de Brasil en la exposición Fotoclubismo: Brazilian Modernist Photography, 1946-1964, que el MoMA organiza de marzo a junio de 2021.
RocioSantaCruz trabaja activamente con el fondo familiar de varios artistas del FCCB, entre ellos Marcel Giró, Germán Lorca y Rubens Teixeira Scavone, y es responsable, junto con el sobrino de Giró, Toni Ricart, del descubrimiento de la obra inédita de Palmira Puig-Giró, una de las pocas mujeres que formaron parte del colectivo y de la que os hablamos en la segunda entrega de Paris Photo online. El compromiso de RocioSantaCruz con la divulgación y el estudio del FCCB la posicionan como referente internacional del Fotoclubismo. En esta primera parte, os compartimos la obra de Marcel Giró.
Marcel Giró (Badalona, 1912 – Barcelona, 2011)
Marcel Giró llega a São Paulo en 1948 con su mujer, la fotógrafa Palmira Puig-Giró. Giró se une al FCCB tras una larga trayectoria como fotógrafo amateur. Sus primeras fotografías datan de los años 30 y toman los paisajes del Pirineo catalán como escenografía principal. Retratan, sobre todo, detalles de montañas y lagos, mostrando ya una sensibilidad particular hacia la abstracción, estilo que marcaría su obra. En 1953, Marcel y Palmira abren el estudio fotográfico Estúdio Giró, desde el que Giró se establece como fotógrafo profesional e inicia una productiva carrera como pionero de la fotografía publicitaria. Tras la muerte de Palmira, en 1978, Marcel abandonaría la cámara casi por completo.
La obra de Giró se articula desde una mirada precisa e innovadora. Sus fotografías muestran un interés recurrente por las figuras geométricas, los claroscuros y los contrastes extremos. Con estos elementos, Giró compone una estética propia, una nueva sintaxis fotográfica, donde el artista trata constantemente, mediante su elocuente juego de luces y sombras, de exceder los límites de la representación y el significado.
Su obra se ha incluido en distintas colecciones internacionales, como en MoMA (New York), Museu de Arte de São Paulo (MASP), Itaú Cultural (São Paulo) y en el Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC, Barcelona), entre otros.
En esta cuarta entrega de Paris Photo online, os presentamos la obra de Antoni Campañà (Arbúcies, 1906 – Sant Cugat del Vallès, 1989), fotógrafo cuya obra transita entre el pictorialismo y las rupturas vanguardistas. También conocido como fotoperiodista de rereferencia, su obra sobre la guerra civil española permaneció oculta hasta 2019. Campañà recopiló cerca de 5.000 fotografías de la guerra y las guardó durante décadas.
RocioSantaCruz trabaja actualmente con la obra inédita de Campañà. La feria de Paris Photo 2020 iba a acoger la primera presentación internacional del fotógrafo. Os compartimos algunas de sus fotografías en esta edición online.
La doble mirada de Antoni Campañà
Antoni Campañà nació a la vez que el fotoperiodismo, campo en el que se hizo nombre como reportero deportivo y pionero de la postal turística. Antes de cumplir treinta años, Campañà había logrado un amplio reconocimiento nacional e internacional por su refinado dominio del bromóleo. En los años anteriores a la guerra civil, recibió numerosos premios y consolidó su posición como artista. Fue integrante de Agrupació Fotogràfica de Catalunya y en 1933 viajó a Múnich para formarse con el fotógrafo Willy Zielke. Llevó adelante un importante trabajo de experimentación e innovación, trascendiendo así los parámetros pictorialistas y convirtiéndose en un referente sin paralelo de la fotografía experimental en España. De esos primeros años 30, nos quedan composiciones como Tracció de sang (1933), enmarcada dentro del retrato costumbrista de la labranza y la tradición.
Al estallar la guerra civil, el compromiso político de Campañà se abre paso a través de su mirada y le lleva a componer una extensa documentación fotográfica de la guerra. Al contrario que muchos de sus contemporáneos, el testimonio visual de Campañà permaneció oculto durante décadas. Treinta años después de su muerte, su familia encontró las imágenes guardadas en cajas rojas, las cuales salen a la luz en La caja roja (2019), de la mano del reportero Plàcid Garcia-Planas, el historiador Arnau Gonzàlez i Vilalta y el fotógrafo David Ramos, editado en catalán y castellano por Comanegra y por Éditions du Seuil en francés.
Sin título, 1928-1930
De esta etapa inédita y desconocida, podemos afirmar que la guerra civil alza una frontera que Campañà se ve obligado a cruzar, no sólo como ciudadano, también como artista. Al transitar de un lado al otro, su trayectoria cambia radicalmente. El Campañà más clásico, preocupado por la preparación minuciosa y la armonía estética, da paso a un Campañà sacudido por los ritmos frenéticos de la batalla, la muerte, la realidad. Su cámara le convierte en testigo del horror y la verdad, sólo cuando dispara con la Rolliflex, en retratos, se permite explorar un estilo más vanguardista.
Reflejo de los estragos de la guerra, la decisión del artista puede leerse como un gesto simbólico de enterrar un pasado demasiado doloroso. La dictadura franquista anuló cualquier posibilidad de crear espacios de reparación donde afrontar las pérdidas, tanto políticas como personales. Así, se entiende el silencio de Campañà con respecto a esta parte de su obra como un efecto directo de la falta de lenguajes de duelo colectivos, de la imposibilidad de relacionarse con el trauma. La obra de Campañà nos habla de la trayectoria de un artista, de cómo su mirada se adapta a la volatilidad de la vida, pero también nos habla de los vínculos de la memoria histórica. Gracias a sus cajas rojas, hoy podemos añadir nuevas piezas al relato colectivo y encontrar palabras para nombrar el dolor.
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